艺术含义的真谛和创作时需要注意的要点
艺术含义的真谛和创作时需要注意的要点
只要认真拜读大师的作品，就会领悟到他们深厚的写实基础和超群而非凡的艺术表现能力。你会从中发现他们是如何把写实与表现，主观与客观，基础与艺术完美结合的。还会发现扎实的基本功在写实基础上建立的各自独特的艺术风格，独特的艺术语言和特有的美的不同着眼点和不同韵律。
古典绘画、古代雕塑为何绵延不衰，如高耸于艺术史中的丰碑被后人尊崇?就是因为有严格的高不可攀的写实功力，出众的控制画面能力，非同一般的眼力，运用自如的技巧，充沛的感情投入，他们的作品会让你过目不忘，百看不厌，而为青史留名。
在素描艺术发展进程中，逐渐走向不以忠实为依据，不以精确为准绳，而是把对象逐渐变成参照物。这是一个由忠实于对象到艺术地超越对象的必然发展过程。艺术本身的特性就是要求比自然更像、更高、更强烈、更具视觉的冲击力。
对搞艺术的人来说，强烈的个性与丰富的情感是最值得珍惜的。冷漠的人千万不要搞艺术。
忠实是基座，不可无；表现是目的，要全力追求。古今中外的艺术皆如此。
中国京剧中的唱、念、作、打，生、旦、净、末、丑行当，包括它的脸谱、服装、道具等都是经过百年的锤炼与演变，才有今天艺术上的高度成熟，变为精深与博大，成为世界艺术宝库中的一朵奇苑。它的基座是什么?是“台上一分钟，台下十年功”的寒窗之苦。没有此基座一切皆空谈。
西方美术从文艺复兴三杰，到马蒂斯、毕加索、凡高跨越了四百年，他们无不把素描写生的基本功作为自己的根基，都无一不是经过了十年寒窗之苦，并从素描中挖掘出独具个性的艺术。有多少名家就有多少不同风格和迥然不同的素描样式。这些样式反过来又促进了他们的艺术实践和不断去改变着自己。
达‘芬奇的素描，全然是哲人理念的产物，在线条勾勒中，充满了逻辑性与合理性，计算准确，观察整体，不求形之真而求形之美。他的自画像和他的“蒙娜丽莎”一样永立画坛之巅。
达·芬奇说：“画是视觉的诗”。绘画和音乐一样，它所以不同于文学，就是由于它只需用诗一般的视觉效果和听觉效果，传达给观众和听众，让他们去意会而不是言传。
拉斐尔的素描，线条圆润柔美，追求的是情。
米开朗基罗的素描，有如巨人，威严神圣。纯熟的解剖知识，使他的作品远远超越了自然之美。素描需要知识，需要理性思维，更需要情感。他的素描就是情与理高度统一的范例。
德国文艺复兴时期的素描，以丢勒和小荷尔拜因为代表。丢勒的画严谨结实，有理性精微之美。
小荷尔拜因的素描远远超过其父，画风庄重淳朴，高度概括精到，线条洗练，恰到好处。
重理性是德国素描的基本特征，小荷尔拜因的素描则是在理解基础上的升华，他严谨不苟，以精细认真观察为基础，既尊重自然又尊重法度，把高贵与质朴凝结于一体，既洗练又细腻，展示着平衡、稳定、精练、简洁、清明而严格。
更值得学习的是他极为认真、绝无草率的态度，自始至终不盲目用笔。他作画冷静而不乏热情，淡雅而不乏味，真实而不逼真，他的素描是对自然的再现、补充，是一种重建。他的真实感是建立在非凡想象力之上的。
伦勃朗大师心织笔耕四十余载，素描底韵在他的油画中得以充分显示。在古典油画运用透明画法的几代人中，只有在完成透明画法的第一步，既单色素描过程时，才能充分展示他们对素描全方位的功力和表现的才华。而伦勃朗的素描则带有速写性和不经意性，因为他们把素描只看作是对形的研究或创作素材的收集，并不视为作品，只有在完成油画时，才认为是对素描能力的全面体现，全面发挥和真正贡献。
勤奋的伦勃朗认为“光”是一切形象和色彩存在的依据，他作品中光的运用总是诱人而富有魅力。在他时紧时松的笔下，形象塑造鲜明，心理刻画深刻，他把素描在油画中运用得无所不能，是文艺复兴后的又一代宗师。
安格尔的素描强调线的作用，线实际上就是形，因此他高度重视形在绘画中的重要性。他曾对德加说：“画线条，多画线条，只要这样坚持做下去，便会成为一个美术家”。线对安格尔来说就是素描的一切。由于受拉斐尔的影响，他把古朴的画风与浪漫脱俗的美感结合甚佳，他追求平面感，被后来的现代绘画所借鉴。
在西方，素描艺术的发展，受着绘画形式发展的制约，特别受油画艺术发展的制约。其发展大体上可分为两个不同阶段：一个是把形与色分成两个步骤去完成的油画透明画法阶段，一个是形与色同时完成的油画直接画法阶段。
在油画的这两个阶段中，对素描需要解决的问题要求是不同的。
透明画法由于首先要用胶与粉画成单色的素描，这是第一步，当素描稿完成后，方能在此基础上进行第二步，也就是用光油罩染透明色彩。
简而言之，这一时期的油画分成两步走：先画好和解决好形、光、色的单色素描关系问题，然后再解决色彩问题。而第一步的素描稿则是完成整幅油画作品的成败关键。因此古典大师们都全力以赴，各显素描功力神通。
我们见到的鲁本斯、安格尔、伦勃朗、委拉兹贵支等人的油画就是用此法完成的。从他们的油画中，可以清楚欣赏到素描之真功，但这些素描是用多层画法，用油画笔和不透明的单色颜料，在画布上有薄有厚，运笔有粗有细，依质感和虚实而动。可是当他们在纸上用铅笔或碳条等工具画素描时，则是以研究对象和搜集创作素材而画，不免简单许多，并不深入和要求完美。
十八、十九世纪的欧洲画坛从巴比松画派开始，油画写生开始走出画室，移向大自然之中，这时绘制程序繁复而复杂的透明画法，已不能适应室外条件和短期写生的要求，于是产生了携带方便的管装油画颜料与简易画箱，从此产生了形色一体的一次性直接写生方法。由此，油画不首先要求画好周到的素描稿，素描逐渐与油画分庭各置，逐渐要求多因素全方位的完整性素描，并成为独立的艺术品。而油画的直接画法，也相应对素描提出了不同需求。
印象派的素描如其对待光与色一样，强调瞬间感受。他们画的肖像很少，手法和工具的运用突破了学院派的常规，拓宽了思路。
马奈的画笔法轻灵，表面看信手可得，但结构严谨，法度内存，素描功力潜藏其中。就其画风而论，他更接近德拉克洛瓦和戈雅的浪漫之风和较为严谨的素描造型。
德加是印象派中的“素描派”，他受过严格的素描训练，目光锐利，落笔迅捷，遇精之处敏感入微。特别是在把握瞬间变化的动态方面，在形的特征和神态把握上，可属笔法神逸，触微及妙，是位罕见之才。
劳特累克的线条看似紊乱，但结构明确，轮廓在松紧处理之中渗透出个人的情绪与气质，带有很强的骚动性。
雷诺阿开始从事陶艺，后被绘画吸引，他追求返朴归真，他画的人体能看出在造型上的苦心经营，他的画淳厚大体，松弛而疏散的线条追求虚入虚出的朦胧感。
莫奈是名副其实的印象派，是色彩大师。他的素描有飘逸的不经意的流动感，不强调轮廓的完整又不失整体，用笔恰如其分。
塞尚在素描上主张：“面对自然，而非临摹自然”，他追求表现，企图把造型回归原始性，把形作各种几何形的归纳。他的素描特征鲜明而概括，出手大气。
凡高的素描别具一格，个性鲜明，以宗教般的狂热与虔诚投入表现。他如饥似渴地为表达自己的精神和理念奋斗了一生。
他的风景素描，显示了他对形的独特理解和精辟观察力。他的线条具有逻辑性，画笔在他手中犹如火把，画到之处熊熊火焰四起，他的画就是一团光和火，燃烧了观众的心。他作画全身心投入，画笔永含激情，他的画是情的升华，生命的闪光。他更忠实于对象的感受，是现实性和强烈个性的结合。
凡高有扎实的写实基本功，这使他不管如何激动，落笔都依然有序，利用点和线的艺术语言，构成一种抽象般的美。基本功又保证了他心有所想，笔有所动，使激情得以充分地表达施放出来。他的素描是强烈感受与清晰理念相结合的范例。作画时他的精神思绪已飞离他的肉体，把全部想象神游于咫尺的画幅之上。
马蒂斯和毕加索，生于不同国度，同是现代艺术的杰出代表。他俩早期都得益于严格的传统素描训练，功力深厚，读读他们的早期作品即可了然。
马蒂斯的素描最终受东方绘画影响，特别受中国画的影响，走入了线的世界，他的线条被誉为美的珍品。他认为素描在艺术表现上不应是自然的全方位因素的复制，而是要有独立的审美取向，是个人情感的传达工具。
他追求情真与传神，认为“精确不等于真实”。视一切无用细节为有碍表达自己心灵之物。他把对象视为抒发个人情感和表现自我审美观的符号。最终他把物体归纳为线，把丰富的色彩世界浓缩为黑与白。
毕加索是位思维非常活跃，精力异常充沛的艺术大师，又是绘画艺术样式不倦的探索者，他一生都在求变，永不满足在表现形式的探索。他从“兰色时期”转到“玫瑰色时期”“黑人时期”。从二维到三维，再到多维空间的表现。从绘画到陶艺笔和雕塑刀，他的手无所顾忌、为所欲为，创新高于生命，为此耗尽一生心血，大师无愧无悔。
克里木特的线条带有装饰性，他画的人体带有妖魅之美，甚至有色情的暗示。他的学生席勒是个奇才，一生贫困，追求强烈刺激，他的线和造型是被扭曲的象征，他的画是畸形之美，有颓废感。
莫迪里亚尼在艺术上受古希腊雕塑和非洲面具原始艺术影响，追求特殊的变形之美，由于他长期酗酒与吸毒而早逝，他的画总带有病态美。
客观现实主义画家狄克斯的素描，追求真又不给人以真实感，既有意外夸张，又有令人赞叹的细节描写。
美国画家艾伯斯的素描在写实中追求多种样式的表现方法，可谓多才多艺。
现代著名雕塑家亨利·摩尔，早期接受过与二十世纪现代艺术毫不相关的学院正规训练，并曾以文艺复兴以来素描诸大师为师，这都为他成为现代巨匠奠定了坚实基础。他以自己的亲身经历，提倡画家和雕塑家同时也应该是一位了不起的素描专家，他认为：“如果把素描画好了，那就足够了”。
以上介绍了一些大师的素描，他们无一不是从素描的有法之门步入艺术的无法之途。他们的作品源于自然而高于自然，精于自然，或比自然更省略、更明确，因此他们也更随心所欲。
他们都力图穿透表面封闭的外壳，寻找内在不同的本质，从每个人的认识和审美角度出发，追求表现形式的更完美、更多样、更新奇、更刺激等。
艺术的特性就是源于具体对象，又要高于具体对象，否则用相机、用数码相机不是更逼真自然吗?还要绘画艺术何为?绘画是作者心灵的产物，离开作者对客观世界的“重组”，绘画将毫无存在之价值。
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